Hvad tænker stykkerne siger om “Corporate Memphis” om status for illustration – Eye on Design

Illustration af Michele Rosenthal.

I de sidste par år virkede det sådan ny artikel, Twitter-tråd, eller Video-essay ville dukke op på internettet med få måneders mellemrum og analysere den stil, der er blevet døbt “Corporate Memphis”. Brugt flittigt af store teknologivirksomheder og startups, er denne stil blevet beskrevet som flad, farverig, minimalistisk og byder på energiske og ranglede bevæbnede karakterer med lange ben og små torsoer, der tilsyneladende altid er på farten. Som med enhver trend har den erklæret død og borte, går gennem den digitale ækvivalent til bålet: memefication.

Disse tænkende stykker var ikke blot beskrivende eller analytiske rapporter, men bidrog til mytiseringen af ​​stilen som et advarende eksempel for den kreative industri ved at advare den med (negative) værdier, der fik os til at tænke …noget. Indrammet som en boogeyman blev stilen et spejl af den frygt, mange kreative følte, som den skandaløse Lavtlønnede illustratorer arbejder ofte for. Men efterhånden som dens vektoriserede aske lægger sig, er den masse af meningsindlæg, vi har produceret om den, et bevis på, hvor hårdt det ramte en nerve i vores branche. Hvad belyser disse værdier? Hvad hvis de artikler, der hævdede at fortælle os om teknologiindustrien, også afslørede noget om den kreative industri? Hvad hvis Corporate Memphis ikke eksisterer ud over kommentarerne, der navngav det? Jeg stiller ikke disse spørgsmål som designkritiker, men som illustrator, en holdning, der måske for sjældent er blevet hørt om dette emne.

“Corporate Memphis” stilen blev et spejl af mange kreative menneskers frygt.

Måske var det første problem at genkende flad kunst – for at bruge billederne af illustrator Michele Rosenthal neutralt udtryk– som stil. De fleste af stykkerne om flad kunst er også ledsaget af et væld af eksempler eller links en are.na Board med gerningsmanden: homogenitet. Denne praksis er farlig, og de fleste af disse samlinger forsøger at skildre det overvældende menneskemængde af flad kunst, afsluttes med billeder, der er så langt ude, at de kun viser, hvor lidt konsensus der er om, hvad “Corporate Memphis” egentlig er. Virkningerne af denne praksis er reelle og har med succes fremmet ideen om en monolitisk stil, der oversvømmer industrien. På et marked med individuelle stilarter er det dødbringende at blive anerkendt som en “trend” af andre kreative, fordi det meste af det, vi som illustratorer er afhængige af for at skabe indkomst, er opfattelsen af ​​vores individuelle, ikke-reproducerbare, personlig stil. At anerkende en stilistisk tendens betyder at indrømme, at stilarter ikke er det kun individuelt og der er noget reproducerbart ved dem. Den monolitiske trussel mod “Corporate Memphis” opstod fra mangfoldigheden af ​​flad kunst.

Det meste af det, vi som illustratorer er afhængige af for at skabe indkomst, er opfattelsen af ​​vores individuelle, ikke-reproducerbare, personlig stil.

For at gøre flad kunst som en generel stil til det, der nu er kendt som “corporate Memphis”-tendensen, havde kritikere brug for en genesis, der ville vise, hvordan flad kunst var fjenden af ​​personlig stil eller autoritær praksis. I praksis er det ekstremt risikabelt (og ubrugeligt) at tilskrive oprindelsen af ​​en stil til et bestemt tidspunkt, fordi stilarter ikke dukker op fra den ene dag til den anden, og deres grænser er uklare og ændrer sig konstant. Som Rosenthal for nylig påpeget Den flade kunststil har en rig, lang historie, der er blevet overset af mange virksomheders Memphis-tankestykker.

I stedet er kommentatorerne enige om en mytisk oprindelse: illustrationssystemet “Alegria”, som er udviklet af det kreative bureau Buck og hovedsageligt brugt af Facebook. Dette åbnede dørene til en bølge af had på sociale medier, som Ally Reeves, en Toronto-baseret illustrator, vidner om. “[Corporate Memphis backlash] fik mange mennesker til mit feed, og det var virkelig groft – masser af sexisme og kvindehad forklædt som dårligt design,” fortalte de mig. “Der foregår en meget mere interessant samtale om, hvordan vi definerer illustration, design og kunst.”

Flad kunst er det ikke overtage. Hvad der imidlertid er, er en fantasiløs og overfladisk forståelse af illustration, som bruger illustratorernes systemiske svækkelse af kompetencen. Software som Humaaans og sider som iStock gør det arbejde, de er designet til at udføre, men hvis vi er bekymrede for, at de er en seriøs konkurrence til en levende, åndedræt og tænkende illustrator, så er der, som Reeves påpegede, en meget mere presserende samtale end én. om flad kunsts allestedsnærværende.

Illustration kan generelt ikke reduceres til stil, og indramning af flad kunst i en forfatterløs og maskinproduceret kontekst ignorerer stemmerne fra faktiske kunstnere, der stadig arbejder i den stil. Med denne reduktion kom ideen om, at blotte tilstedeværelsen af ​​flad kunst er nok til at signalere kreativ dovenskabsom om det var umuligt at skabe interessante værker i denne stil. Men som beskrevet i kapitlerne af Alan Males Ledsager til illustration, væver illustratorer komplekse færdigheder såsom kulturel afkodning og kodning, semiotisk lagdeling af konnotationer og denotationer, visuel læsefærdighed og problemløsning, hvor stil blot er en af ​​dem. Desværre er der en stigende tendens til kun at se illustration som et stilistisk trick, der skal fylde rummet ud. Hvor ofte bliver illustratorer bedt om bare at tegne en andens idé? Eller bliver du ikke selv kontaktet, fordi der er en designer i huset, som kan kopiere “din stil” og spare penge? Denne praksis underminerer den sande værdi af illustration og illustratorernes ekspertise ved at begrænse vores bidrag til kreative projekter. Og det er ikke “virksomheds”-ejendommeligheder, som kun personer med “sød / venlig utopisk flad æstetik”Vigtigst af alt er det ikke store teknologiske problemer; disse er helt vores egne.

Ved at kalde denne særlige samling af visuelle former, farver og indhold for “corporate” trak vi en streg omkring den og lukkede “corporateness” inden for genkendelige grænser. Vi følte os forsikrede om, at så længe vores arbejde ikke ser sådan ud, så længe vi ikke arbejder for big tech, er vi sikre fra “corporateness” og neoliberalisme. Men når jeg laver akvarelmalerier til Der New Yorker (f.eks. Condé Nast), er jeg mindre en “virksomheds”-kunstner? Hvis jeg laver blyantstegninger for Starbucks, vil jeg så være mindre involveret i kapitalismen? At reducere disse komplekse systemer til en enkelt stil er bestemt naivt, og selvretfærdig Vores kollegers dømmekraft forværrer kun problemet.

Corporate Memphis blev en advarselsfortælling, da den satte os i stand til at formulere vores bekymringer om de kreative industriers ustoppelige march mod neoliberal praksis. Det var en beroligende måde at gøre vores dæmoner synlige og dermed overskuelige. Denne frygt for stil, forfatterskab eller selskabslighed går langt ud over flad kunst, både med hensyn til levetid og omfang. For at passe til ižeks berømte citat hader vi ikke flad kunst, vi hader kapitalisme (og hvad den gør ved kreativiteten). De systemiske problemer og indgroede ideologier, der underminerer illustrationen, går ingen vegne i en overskuelig fremtid. Vi kan kun håbe, at de bliver stillet spørgsmålstegn ved og kritiseret lige så grundigt og energisk, som den flade kunst blev. For i sidste ende handlede det aldrig rigtigt om stil, vel?

EK İŞLER VE YURT DIŞI İLE İLGİLİ İLANLAR İÇİN MUTLAKA UĞRAYIN

İlgili Makaleler

Bir cevap yazın

E-posta hesabınız yayımlanmayacak. Gerekli alanlar * ile işaretlenmişlerdir

Başa dön tuşu